La inspiración en el arte abstracto no parte siempre de lo visible. Descubre cómo emoción, técnica y mirada dan lugar a una obra auténtica.
Inspirarse sin forma: una mirada abstracta
Mucho se ha dicho sobre la inspiración en el arte. Que nace del entorno, de la naturaleza, del bullicio de la ciudad, del silencio de un estudio o de una emoción intensa. Se dice —y con razón— que los artistas beben de lo que les rodea. Pero ¿qué sucede cuando lo que se quiere expresar no tiene forma? ¿Qué pasa cuando se eliminan los referentes figurativos y solo quedan el color, la materia y el gesto?
La inspiración como forma de estar en el mundo
En el arte abstracto, hablar de inspiración es entrar en un terreno complejo. Porque no hay un paisaje, ni una figura reconocible, ni una historia que contar con palabras. Lo que hay es una pulsión, una necesidad de expresión, una intuición visual que pide salir al mundo.
En mi caso, la inspiración no siempre tiene origen en algo externo. A veces, simplemente existe. Y otras veces, no. Lo que sí hay siempre es una forma de ver la vida, un filtro propio que moldea la realidad, que transforma una emoción en color, una tensión en línea, una intuición en superficie.
¿Casualidad o técnica?
Podría parecer que crear una obra abstracta es un acto casual, impulsivo, casi fortuito. Nada más lejos. El arte abstracto —cuando es auténtico— está construido sobre una base firme de conocimiento técnico, sensibilidad visual y capacidad de síntesis. Hay decisiones formales que no se pueden improvisar. Hablamos de equilibrio compositivo, del uso consciente de los materiales pictóricos y del soporte, de recursos como la regla de los tres tercios (muy utilizada también en fotografía artística), del estudio del color y sus complementarios, de la relación entre llenos y vacíos, del ritmo visual que sostiene la obra sin que el espectador se dé cuenta.
El diálogo entre emoción y técnica
En muchas ocasiones no hay boceto. O no hay una paleta decidida de antemano. Lo que sí hay es una búsqueda. Una búsqueda que se da mediante prueba y error, una especie de diálogo entre la obra y quien la pinta. Cuando esa conversación fluye, la obra comienza a funcionar. Y cuando funciona, se genera algo intangible: una emoción que puede compartirse.
Belleza técnica sin emoción
Cualquier persona con destreza técnica podría crear un cuadro abstracto «bien hecho», atractivo incluso. Pero la diferencia entre ese ejercicio plástico y una obra de arte radica en lo que transmite. En lo que es capaz de evocar, de remover. En cómo interpela al que la observa. Porque, en definitiva, lo que rige el trabajo de un artista abstracto es precisamente la expresión emocional, y con ello, la capacidad de generar emociones en otros.
Neuroarte y sensibilidad visual
Hace poco hablábamos en este blog del Neuroarte y las emociones. Las neurociencias han puesto nombre y validez científica a algo que los artistas llevamos haciendo desde siempre: crear imágenes que impactan en el cerebro y despiertan respuestas emocionales. La investigación en neuroestética ha abierto nuevas formas de comprender la relación entre arte y percepción. Pero antes de la neurociencia estaba —y sigue estando— esa forma de ver. Esa mirada distinta que transforma lo invisible en visible, lo íntimo en universal.
La inspiración como forma de vivir
Y quizá, solo quizá, la inspiración no sea otra cosa que eso: una forma de estar en el mundo, y de traducirlo, a través del arte.